Glomoa
Escultura do Renacemento editar
A escultura do Renacemento enténdese como un proceso de recuperación da escultura da Antigüidade clásica. Os escultores atoparon nos restos artísticos e nos descubrimentos dos depósitos do pasado tempo a inspiración perfecta para as súas obras. Inspirados tamén pola natureza. Neste contexto, é necesario ter en conta a excepción dos artistas flamencos no norte de Europa, que, ademais de superar o estilo figurativo do gótico promoveu un Renacemento alleo ao italiano, especialmente na sección de pintura. O renacemento da antigüidade co abandono da medieval, que para Giorgio Vasari "fora o seu propio mundo de godos", e recoñecemento dos clásicos con todas as súas variacións e matices era un fenómeno case enteiramente desenvolvido en Italia. A arte do Renacemento logrou interpretar a Natureza e traducirla de forma libre e con coñecemento nunha gran multitude de obras mestras
Características editar
A escultura no Renacemento tomou como base e modelo as obras da antigüidade clásica e da súa mitoloxía, cunha nova visión do pensamento humanista e o papel da escultura na arte. Do mesmo xeito que na escultura grega, a representación naturalista do corpo humano espido foi buscada cunha técnica altamente perfeccionada, grazas ao estudo minucioso da anatomía humana. En Italia, os temas profanos compartían igualmente os relixiosos; Non é así noutros países como España e Alemaña, onde prevalecía o tema relixioso.
O corpo humano representaba a Beleza Absoluta, cuxa correspondencia matemática entre as partes estaba ben definida, e o contraposto era usado constantemente dende Donatello a Miguel Ángel. Neste momento é cando practicamente a liberación da escultura de estrutura arquitectónica, os relevos foron feitos coas regras da perspectiva e mostrou os personaxes con expresións do drama que levan ao sentimento de gran terribilità en sentimentos expostos as esculturas de Miguel Ángel, como no rostro do seu David.
Un papel clave foi a figura do mecenas, representados polos personaxes da igrexa e nobreza que obtiveron o seu prestixio social patrocinio e propaganda política, e abrangue todos os temas :, mitolóxico, cotián relixioso, retratos de personaxes, etc.
Reapareceu co Renacemento a glíptica Renaissance greco-romana, que case fora esquecido durante a Idade Media no procesamento de pedra fina (excepto algúns exemplos da arte bizantina), e desde o século XVI cameos preciosos gusto clásico traballaron como perfecto que, ás veces, chega a confundirse cos antigos. No entanto, o uso da pedra fina intaglio, tan favorecida polas civilizacións gregas e romanas, non foi restaurada. Estes pequenos relevos serviron de modelo, unha vez ampliados, para a decoración de escultores en grandes medallóns para palacios en Italia e Francia.
Materiais editar
A escultura renacentista utilizou todo tipo de materiais, principalmente de mármore, bronce e madeira. O bronce compitiu con mármore principalmente en monumentos funerarios, fontes e pequenas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres como o Colleoni condottiere de Venecia. As reproducións de estatuas de bronce tiveron gran difusión no Renacemento, debido á gran cantidade de coleccionistas. En Florencia foron Antonio Pollaiolo (Hércules e Anteo) e Andrea del Verrocchio (Neno alado con peixe) os iniciadores encargados polos Medici. Taller de Leonardo da Vinci pequenos bronces co cabalo empinándose unha altura de 23 cm. O escultor Pier Jacopo Alari Mantua Bonacolsi, chamado Antico, estableceuse en Roma para a posta en marcha de reducións de bronce mármores antigos son preservados.
A madeira utilizábase en países como Alemania e España, onde a gran riqueza forestal eo traballo tradicional da madeira policroma estaban moi arraigadas; Foi usado na execución de imaxes relixiosas, retablos e altares.
A terracota foi utilizada como o material máis económico; a terracotta foi usada en cor natural e policromada, como a empregada por Antonio Rossellino eo seu discípulo Matteo Civitali na Virxe da Anunciación, na Igrexa dos Servos de Lucca. artista italiano Pietro Torrigiano realizada en España varias esculturas en barro policromado, algúns dos cales son preservados no Museo de Belas Artes Sevilla. A Lucca della Robbia, que seguiu o estilo donatelliano, é imputado coa invención da faiança el empregou na tenda da Santa María Novella, en combinación con mármore para dar cor ao traballo, e despois tondos e Madonnas; seu taller seguido polo seu sobriño Andrea della Robbia fixo moitas obras de terracota vitrificada espallados por todo Europa.
Técnicas editar
A técnica da talla de mármore foi restaurada no Renacemento coa perfección que tiña durante o período clásico. Desde o Renacemento utilizouse o broca manual ou trépano para eliminar a pedra ata certa profundidade. Esta ferramenta úsase a escultura en talla directa se fixo, como, por veces, tiña Michelangelo, como se o último punto de un modelo de xeso foi usado como normalmente facía artistas como Giambologna, que puntos son apreciados marcado en moitas das súas esculturas. Donatello utilizou o método grego de traballar o bloque nunha rolda, pero Miguel Ángel tallouno do lado. Isto foi descrito por Benvenuto Cellini:
O mellor método usado por Miguel Ángel; Despois de ter dito a perspectiva principal sobre o bloque, empezou a tirar o mármore dun lado coma se tivese a intención de traballar un alivio e, deste xeito, paso a paso, para sacar a figura completa.
Para os traballos en bronce a realización do traballo necesitábase anteriormente en arcilla ou en cera para o seu posterior fundición; logo cincelado para suprimir os posibles defectos da fundición, a superficie foi pulida con abrasivos e ao gusto do escultor engadíronse as pátinas .
A talla en madeira, utilizada principalmente no norte de Europa e España, tamén se pode facer en escultura directa sobre o bloque de madeira coa execución dun pequeno bosquexo para a súa orientación ou co modelo anterior en yeso ou arxila, e tamén pase por puntos como en mármore.
Composición editar
O Renacimiento adoptou os elementos básicos que Vitruvius describira, o cal mantivo:
... que a proporción da forma humana era servir como un paradigma para as proporcións das creacións do home. Xa que a natureza creou o corpo humano para que os seus membros sexan debidamente proporcionados para a figura como un todo; Parece que os antigos tiñan unha boa razón para a regra que di que en edificios perfectos os distintos membros deben manter relacións simétricas precisos co réxime xeral no seu conxunto.
A composición da figura humana foi baseada na busca da perfección en anatomía, en que moitos artistas da época adquiriu coñecemento real coa práctica de dissecções para study.15 libre A primeira escultura renacentista, que mostrou a harmonía de nu foi o David di Donatello durante o Quatrocento, na que a influencia de Praxíteles apreciado estilo con contrapposto luz para acadar o equilibrio na composición. Durante os seguintes anos o coñecemento sobre a anatomía humana estaba adquirindo unha gran perfección, ata chegar a un contrapposto cheo. As expresións das caras deixaron de ser hieráticas e ausentes para mostrar sentimentos internos; a chamada terribilità renacentista (David de Miguel Ángel, ao redor de 1504). Nas esculturas de combinación relixiosa do naturalismo cunha expresividade intensa mostrou, a serenidade Florentino desapareceu antes de as paixóns que mostraban os personaxes cos seus rostros contorcidos xestos de desespero e dor, Enterros visible de Cristo por Guido Mazzoni e Nicolás dell'Arca.16 a escultura foi evolucionando na súa concepción e composicións dos seus grupos, para acadar o propio serpentinata mannerism, o que é claramente mostra en obras como o Florentino Piedade (Michelangelo) ou o arrebatamento das sabinas (Giambologna) .
Na arquitectura alivio e leis recentemente adquiridas a perspectiva eles foron usados para compoñer fondos representacións, como na famosa Porta do Paraíso Ghiberti ou relevancia coa técnica de stiacciato ao altar de Santo António en Padua fixo por Donatello. As estruturas arquitectónicas foron compostas como telón de fondo, tal e como Giotto fixera nas súas pinturas proto-renaixentistas. Algúns laudas bronce italiano foron transportados a España, xa que é na Catedral de Badajoz Lorenzo Suárez de Figueroa.
escultura flamenga, xunto cos países xermánicos foi desenvolvido cun realismo que é apreciado en todos os detalles ornamentais, onde o traballo escultural apareceron case como unha obra de xoias que foi aplicado en grandes altares de madeira. Tamén en España, a influencia gótica-Flamengo xunto withthe italiano foi traído en relevo, como unha das portas da Catedral de Barcelona do escultor flamengo Michael Lochner e Bartolomé Ordóñez estilo italiano no coro da mesma catedral . Relevancia arredor do sarcófagos usado para representar escenas da vida do falecido: a súa vida, milagres e martirio se eran relixiosos, ou representación de batallas e acontecementos militares se fosen personaxes da nobreza. Xacementos estaban desenvolvendo diferentes fases da composición, a partir da estrutura tradicional do forxado funeraria ou a estatua da mentira solitario no seu cadaleito usado nos tempos medievais, as tumbas xeminadas enmarcado por elementos arquitectónicos en forma de arco triunfal, e un resultado semellante a un altar, onde a urna rúa central era xeralmente a figura atópase sobre el e sobre as rúas laterais figuras alegóricas. Finalmente se presentaron coa representación do falecido na propia actitude orante de España e Francia.
Durante o Renacemento orixinou en estilo España Plateresque, o que representou o cambio das formas de decoración en edificios con elementos esculturais principalmente estilo italiano, non só foi realizada nas fachadas de pedra, pero tamén en madeira e xeso no interior edificios, en base a historiados relevancia e adornos vexetais típicas inicio do Renacemento (chamado "en Candelieri") con grandes escudos heráldicos e putti súa alrededor.
Busto
Retratos busto en forma permaneceron no Quattrocento usado coa nova concepción humanista imposta representación con gran semellanza física, senón tamén coa afirmación da personalidade do Sitter. Segundo Alberti, o artista tiña que "caracterizar, pero tamén establecer relacións harmoniosas". Eles foron feitas en bronce, terracota policromada e mármore (Donatello, Verrocchio, Francesco Laurana).
Estatua ecuestre
A estatua ecuestre en tamaño natural en bronce e fora tratado por escultores romanos, como Marco Aurelio, a continuación, situado en San Juan de Letran; Tamén cabalos de bronce de San Marco en Venecia serviu de modelo para o Renacemento italiano, e pode ser considerada inspirado Gattamelata de Donatello e Colleoni de Verrocchio. Estudos de Leonardo da Vinci implicou un cambio na representación do cabalo, que estaba apoiado nas súas costas e actitude para atacar as pernas do inimigo; a idea probablemente foi tomada dos relevos dos sarcófagos antigos.
Escultura italiana editar
A historiografía divide este período entre os séculos XV e XVI, en dúas fases que levan o nome de Quattrocento e Cinquecento.
Quattrocento editar
Mentres no resto de Europa aínda se impuxo a arte gótica, en Italia o Quattrocento ou o inicio do Renacemento comezaron no século XV. É o momento no que o home ea natureza triunfan. A escultura está por diante da arquitectura e da pintura, desenvolvéndose vertiginosamente. A súa historia tivo lugar no sur de Italia, na corte de Federico II, baixo cuxa protección naceu unha escola de arte e inicio luces trouxo o que sería o Renacemento do século XV. Foi a rexión da Toscana durante o período trecentista anterior, que herdou esta nova forma de facer escultura na figura Nicolás Pisano, seguido polo seu fillo John Pisano, logo Andrea Pisano (primeiras portas de bronce do Batistério de Florencia) e Nino Pisano.
Nicolás Pisano (asinou as súas obras con este nome), cuxo nome era Nicolás de Puglia, procedeu desta rexión do sur de Italia (chamada en Apulia española) para instalarse en Pisa (Toscana). En Pisa (como na maioría das rexións de Europa) mantívose aínda a arte románica e comezou a empregar o gótico. Nicolás Pisano foi encargado de traballar o púlpito do baptisterio da catedral desta cidade. Fíxoo seguindo as novas tendencias aprendidas en Apulia especialmente facendo fincapé na forma clásica do espido Hércules. Este traballo, o púlpito, é considerado un precursor do Renacemento italiano.
Tras este pano de fondo, será a cidade de Florencia (Boomtown agora, coa poderosa familia Medici, patronos de arte e promotores), que toman o centro do escenario en forma de mellor representante: Lorenzo Ghiberti. A partir deste momento, non se detectará ningún albedo ou balasto medieval. A escultura florentina dominará o retrato do busto, o ecuestre, o relevo ea bóveda redonda durante un século e medio. O material utilizado para a excelencia neste período foi de mármore seguido de bronce.
Ghiberti, Donatello e Jacopo della Quercia como o mellor, seguido pola della Robbia, Verrocchio, Antonio Pollaiuolo e Agostino di Duccio, formaron o grupo de grandes escultores da escola Florentino de Quatrocento.
Esta etapa do Quattrocento comezou coa obra escultórica dos relevos nas portas do Baptisterio de Florencia feita por Lorenzo Ghiberti, un mozo escultor de vinte anos. O Baptisterio xa tiña dúas portas talladas por Andrea Pisano en 1330, e en 1401 un concurso foi convocado para os outros dous restantes. O concurso foi vencido por Ghiberti (en competencia con Brunelleschi), terminando a primeira das dúas portas en 1424; A súa obra foi admirada e moi ben considerada, polo que a cidade encargou a segunda porta. Pasou uns vinte anos traballando cada un; Foi prácticamente o traballo da súa vida. Esta segunda porta feitas por Ghiberti e cuarto do batistério é coñecida como a Porta do Paraíso, chamado por Michelangelo e considerado un dos fitos do Quattrocento.
A segunda gran escultor dese período foi Donatello, Ghiberti dez anos máis novo do que anos. Era moito máis versátil no seu traballo, incidindo sobre todo sobre a figura humana. Donatello se realiza na historia da arte como o precursor de Michelangelo e é, de feito, un artista independente, espirituoso e realista. O seu principal interese era a figura humana en diferentes idades, cubrindo todo tipo de tipos, varios acenos e expresando o seu traballo en Estados espirituais máis heteroxéneos. Por outra banda, Donatello é considerado como un experto no tema infantil, especialmente na expresión da ledicia de nenos (tribunas das catedrais de Florencia e Prato). Escultura na rolda Donatello estender o busto Renaissance horizontal cortado polo peito e non no pedestal (como era costume na escultura romana). Exemplos: busto Antonio Narni transportando un gran pescozo aparición; busto de terracota de San Lorenzo, retratado como un mozo diácono no Vello sancristía de San Lorenzo, en Florencia. Esta forma de presentar os bustos foi adoptado polos escultores do Rexurdimento e do período Barroco veu case ata. No século XVI, o busto era para ser cortado por alongar a cintura. Tamén dentro da escultura na rolda, foi o precursor da figura Donatello a caballo (bronce), en homenaxe a un gran home e dispostos no centro dunha praza pública. A primeira imaxe Donatello era coñecido como Gattamelata (condottiero Erasmus de Narni)
Jacopo della Quercia (falecido en 1438) é o terceiro gran escultor da escola Florentina é o único grupo que non é natural de Florencia, sino de Siena. Pertence á xeración de Ghiberti. O seu estilo é grandilocuente e masiva, en contraste co estilo detallado de Ghiberti. A súa obra mestra foi o portal central de San Petronio en Boloña, que comezou en 1425. É unha serie de relevos que describen Genesis e da infancia de Xesús, con bustos de profetas ea imaxe da Virxe de San Petronio. Nos seus relevos domina a monumentalidade e tratamento de nu hercúlea, anticipando o estilo de Michelangelo. Jacopo della Quercia é o autor da Fonte Gaia de Siena, as tumbas de Ilaria del Carretto en Lucca e Galeazzo Bentivoglio en Boloña.
A familia Robbia grupo está dirixido por Luca della Robbia (falecido en 1482), que foi dedicado case enteiramente ao tratamento de nenos e mozos da figura feminina. Luca creado escola que introduciu a técnica de faiança, que estaba aparecendo nos máis diversos temas, desde o pequeno alivio para o altar con números copiosos. Tamén traballou en mármore e bronce. Andrea della Robbia, o sobriño de Luca, era o máis talentoso da súa seguidores. El é o autor das rodajas (medallóns circulares) de nenos traballaban na Spedale degli Innocenti, en Florencia. O último grupo foi Giovanni della Robbia, que non só era un escultor, pero tamén decorado e ás veces alfarero.
Andrea del Verrocchio (1435-1488) foi moi influenciado polas obras de Donatello a punto de repetir algúns dos seus súbditos, como David en Florencia ou a estatua ecuestre do condottiere Colleone en Venecia (dúas de bronce). Verrocchio caracterízase polo seu profundo estudo anatómico. Antonio Pollaiuolo foi tamén unha interpretación buenrepresentante florentina de enerxía corporal e movemento violento. A súa obra mestra neste estilo é Hércules e Anteo, almacenados no Museo Bargello. Agostino di Duccio (1418-1481) tamén era un seguidor de Donatello, imitando o seu famoso schiacciato, especialmente na decoración da fachada do oratorio de San Bernardino en Perugia e do Templo Malatesta de Rímini.
Outra gran escultor que traballaba en Modena foi Guido Mazzoni (falecido en 1518), cuxo traballo foi feito principalmente de barro pintado, unha técnica que estaba agora en gran boom. Unha das súas composicións máis coñecidas foi a lamentação sobre o Cristo morto para a igrexa de San Juan de Módena, que á súa vez debe influír no traballo do mesmo título producido por Juan de Juni en 1463, despois dunha viaxe para as cidades de Bolonia, Módena e Florencia.
Cinquecento editar
O Cinquecento ou renacemento desenvolvido ao longo do século XVI con características diferentes en cada unha das dúas metades do século, dominando o clásico no primeiro e no segundo manierismo. Foi o triunfo das experiencias do Quattrocento. Unha das súas principais características é o gusto pola grandiosidade monumental, tendo en conta a conclusión do Laocoonte e os seus fillos clásicos, descuberto en 1506 Mentres artistas crearon escola en Florencia Quattrocento, artistas Cinquecento crearon as súas obras e desenvolveu a súa arte principalmente na cidade de Roma, que se converteu no centro artístico do novo século. Florence permaneceu importante cidade do Rexurdimento, e continuou a facer obras de arte na capital da Toscana durante este período, como David, as tumbas dos Capelas Médici, o Perseus de Cellini, etc. O artista representativo deste período é Michelangelo, personaxe de gran forza e personalidade.
Michelangelo Buonarroti, tamén discípulo da escola florentina, resume na súa persoa case toda a arte escultórica da súa época en Italia (1475-1564). Nos primeiros trinta anos da súa vida mantivo o seu cinzel algunhas tradicións do século XV producindo traballos moderados e fermosos pero vigorosos. A este primeiro período, as súas esculturas ponderadas da Madonna de Bruxas e Pieta débense con algúns Bacchus and Cupids eo David de Florence. Pero a partir do ano as patacas empezaron a solicitar a construción de monumentos grandiosos, creou un xigantesco, vigorosísimo, cheo de paixón, estilo independente e chamou o seu terribilità excepcionalmente. Deste xénero son as esculturas dos túmulos dos Medicis na capela destes en Florencia (Julian eo seu irmán Lorenzo, cuxa estatua sentada é coñecido como Il Pensieroso pola súa actitude pensativa) e estatuas preparando o artista para o sepulcro do papa Xullo II, especialmente o famoso Moisés que atopa na basílica de San Pietro in Vincoli.
Sansovino (o seu nome é Andrea Contucci) foi un artista educado entre os artistas florentinos manifestado nas súas esculturas amante da forma exterior, anatomía e clasicismo, especialmente nas estatuas decoran as mausoleos do cardeal Ascanio Sforza do bispo Basso Rovere na igrexa de Santa María do Popolo, ademais doutros en Florencia e Venecia. O seu discípulo Jacobo Sansovino traballou principalmente en Venecia, sendo o gran difusor da obra de Michelangelo. Unha das súas mellores obras escultóricas é a Baco.
Benvenuto Cellini era, ademais dun escultor, un gran orfebre. A súa monumental obra de bronce de Perseo coa cabeza de Medusa foi un símbolo do triunfo da familia Medici sobre a República Florentina. É autor do Cristo de mármore do mosteiro de El Escorial.
Bandinelli e Ammanati foron dous escultores contemporáneos de Cellini que esculpiron as monumentais estatuas de Hércules e Cacus e Neptuno para a Piazza della Signoria en Florencia. Os dous Leoni, Leone e Pompeyo (pai e fillo) foron grandes fundicións de bronce e traballaron principalmente en España, durante o reinado de Felipe II.
Manierismo editar
Artigo principal: Manierismo
O termo manierismo refírese a un estilo das súas propias características dentro do Renacimiento. Ocorreu ao longo do século XVI, especialmente a partir de 1520, característica é mellor define a investigación constante para non convencional xunto coa destrución dun equilibrio lóxico que aplica liñas ou posicións de deformación, o que a primeira vista pode ser desconcertante para o espectador. É o rexeitamento do equilibrio que adopta posturas forzadas.
En manierismo el negouse a escultura clasicismo buscando formas curvilíneas e dinámicos, serpentinata chamada ou curva composición e contra curva na que os propios corpos xiraba en espazos axustado e ás veces con escorço moi pronunciada.
En Italia, a escultura maneirista é representado por Juan de Bolonia. Aquí debe incluír o Rapto das Sabinas de Giambologna ou Giambologna, xa referido como Rexurdimento, Benvenuto Cellini e Michelangelo, un dos mellores exemplos é o Pietà Florencia, onde Cristo mostrado con postura serpentina.
Este estilo se espallou por toda Europa, grazas á extensa colección de estampas, especialmente no campo escultórico na profusión de pequenos bronces vindos de Italia. Esta foi desenvolvida nos tribunais europeos de Francis I en Fontainebleau con Francesco Primaticcio, que era responsable de traer copia de antigüidade da Roma. foi tamén desenvolvido na corte de Rodolfo II en Praga, e Philip II en El Escorial, onde corrección académica caracterizaron o estilo de manierismo usado por Leoni. influenciado por Michelangelo, Gaspar Becerra gañou o seu retablo maneirista da catedral de Astorga, e está en Valladolid, onde tamén se reuniuademais de Becerra, Juan de Juni , onde se fixo máis escultura deste tipo clásico-heroico.